© Jean Baptiste Millot
Laurence Equilbey: "La música es una llave que abre todo un mundo"
La prestigiosa directora de orquesta Laurence Equilbey acude esta semana al podio de la Franz Schubert Filarmonía, con una pequeña gira de conciertos en los que interpretarán músicas de Cherubini, Farrenc y Fauré. Por ese motivo, hablamos con ella sobre su visión de la compositora francesa, el lugar de las mujeres creadoras hoy en día y sobre la verdad de la directora en la música que dirige.
Estamos pasando por momentos difíciles en nuestro país debido a las trágicas inundaciones. ¿Realmente puede la música ser un lugar de refugio y un espacio de encuentro entre nosotros?
Sí, es terrible y mis pensamientos hoy están con las víctimas de este desastre. Me gusta decir que la música es una llave que abre todo un mundo. Si encuentras esta llave, es relativamente fácil acceder a este lugar maravilloso sin siquiera tocar un instrumento. Estoy convencida de que visitar este mundo abierto a través de la música clásica te ayuda a encontrar consuelo, a crecer, a formarte, pero también a reflexionar y a inspirarte.
Y existe una relación muy profunda entre los artistas y el público. En una sala de conciertos, cuando públicos muy diferentes se dejan llevar por una obra, sentimos una vibración muy especial, y de hecho surge una posibilidad fugaz de entendimiento entre diferentes grupos sociales. Es por eso que la interpretación en vivo es tan importante.
¿El arte debe estar conectado a la sociedad, pues? ¿O puede ser algo independiente?
Me gustaría hacer referencia a la famosa frase de Oscar Wilde. Venía a decir que “la vida imita al arte mucho más de lo que el arte imita a la vida”. Cuando el arte imita a la vida, la mayoría de las veces es entretenimiento, lo cual es genial y necesario. Podemos decir que en ese caso la sociedad está conectada con el arte. Cuando la vida imita al arte, es cuando el arte o la música pueden inspirar y trascender. Asi que, sí, el arte está conectado a nosotros porque puede cambiar la sociedad.
Regresas ahora a España, dirigiendo la Franz Schubert Filarmonía. ¿Qué busca expresar y cómo trabaja como directora invitada de una orquesta?
Estoy muy feliz de conocer a esta orquesta. Vengo aquí con obras que he dirigido mucho y estoy deseando ver cómo los músicos interpretan estas piezas. Vengo a aportarles mi experiencia sobre estas partituras y a estar abierta a lo que quieran aportar.
¿Quién fue, a grandres rasgos, Louise Farrenc y cómo es su Primera sinfonía?
Louise Farrenc es una pianista y compositora. Escribió mucha música de cámara. Sin embargo, entre 1830 y 1840 escribió música sinfónica, tres sinfonías y dos oberturas. Estas sinfonías están escritas en un estilo que es a la vez romántico y clásico, con una gran originalidad temática y armónica. Son a la vez poéticas y enérgicas. Estudió con Anton Reicha. Su música no es tan vanguardista como la de Berlioz, pero está sólidamente elaborada, con una rica inspiración, especialmente en lo melódico, lo armónico y lo instrumental.
La Primera sinfonía, en do menor, es ya una obra maestra. Su escritura musical revela una amplia gama de herencias: se puede escuchar que está familiarizada con el estilo febril del sturm und drang, y conecta con esta energía. Esta sinfonía también desarrolla el estilo romántico, y sabe cómo escribir atmósferas muy poéticas. De hecho, Schumann escribió muy buenas críticas de algunas de sus piezas.
Menciona a Berlioz. En su temporada 24-25 se presenta proyectos que van desde Farrenc o Mayer hasta Beethoven o Bizet. Nombres más “desconocidos” frente a grandes “marcas” del repertorio. ¿Siente que el público recibe a todos los compositores de la misma manera?
Creo que es necesario tocar las grandes obras maestras. Para el público también es importante sentir que se preserva un patrimonio cultural extraordinario. Supone un gran reto para una orquesta porque hay que estar a la altura. Al mismo tiempo, me gusta descubrir obras olvidadas, incluso de los compositores más conocidos. Y con la orquesta Insula también estamos sacando a la luz las obras de compositoras que han sido borradas por la historia. Eso es muy importante. El público que nos sigue es un poco como los artistas; está ansioso por descubrir y también por reparar el daño que se haya podido hacer a las creadoras.
Como músicos, público o gestores… ¿somos igual de receptivos a Farrenc que a Beethoven, por ejemplo?
En este caso, me gusta la confrontación. Cuando empezamos a interpretar la música de Louise Farrenc, tocamos varias series Beethoven/Farrenc. Beethoven es el genio que conocemos, y yo diría que todo se mueve en torno a Beethoven y se aleja de Beethoven al mismo tiempo. Por eso es interesante confrontar a Farrenc con este gigante, porque su escritura se abre hacia mundos más schubertianos, y ahí está el resto de la historia. A los artistas y al público les encanta Farrenc. A algunos gestores les interesa, pero a muy pocos, a mi parecer. En cualquier caso, yo mismo soy programadora y sé lo difícil que es llenar teatros con obras desconocidas. Por eso hay que insistir, pero con pequeños pasos.
¿Cree que los programadores carecen de conciencia o conocimiento sobre el repertorio del pasado escrito por mujeres?
En general, ¿por qué no se programa/interpreta más música de compositoras? En el siglo XIX, en Francia, a las mujeres no se les permitía estudiar composición en el conservatorio. De las que lograron escribir obras, muchas fueron borradas por la historia cuando la burguesía tomó el control político a fines del siglo XIX. Las mujeres fueron relegadas a los asuntos familiares. Poco a poco, sus obras, ya raramente interpretadas, cayeron en el olvido. Durante una década, los movimientos feministas han tenido como objetivo destacar a las compositoras y, más en general, a las autoras como tal.
Más allá de la curiosidad que muestran ciertos conjuntos sobre obras raras o poco interpretadas, este repertorio constituye un fenómeno nuevo e interesante, sobre todo teniendo en cuenta la calidad de ciertas obras. Creo que en el siglo XIX o antes, los instrumentos de época también ayudan a recuperar el espíritu de una obra. Algunas de las sinfonías de Farrenc se interpretan a veces en un estilo mahleriano, y esto no les conviene en absoluto. Creo que hoy en día es muy importante asegurarse de destacar el repertorio de las compositoras. Hay algunas cosas fantásticas que están ahí, escritas, pero que rara vez se interpretan, como estas sinfonías de Louise Farrenc. Sinceramente, creo que obtendrán un lugar más destacado en el repertorio general en unos años. Seguramente se convertirán en parte del repertorio orquestal estándar.
Como artista o como público: ¿es fácil romper/salir de los patrones establecidos de la memoria auditiva? ¿De las formas a las que ya estamos acostumbrados a escuchar?
Para compositores menos conocidos o creaciones contemporáneas, a menudo el problema es que el público se muestra reacio a venir a escuchar. En general, he observado que, si vienen, después se sienten muy agradecidos. Evidentemente, para un artista supone un esfuerzo descubrir un nuevo lenguaje, un riesgo. Harnoncourt solía decir que, para ciertas obras, hay que saber cómo superar las barricadas. Y estoy de acuerdo con él. En cuanto a la forma, nuestro siglo es muy visual. Creo que es importante variar la forma de presentar la música. Abrir puertas y descubrir las claves de la música que nos rodea te permitirá descubrir un mundo. Especialmente para las generaciones más jóvenes. Puede ser un concierto puro, nueva escritura escénica, 360°, Realidad aumentada...
Accentus ha cumplido más de tres décadas e Insula Orchestra tiene ya más de 10 años. ¿Cuál es el futuro de estos increíbles grupos musicales?
Para Accentus, continuar en el camino de la excelencia, en particular a través del desarrollo del repertorio a capela y las nuevas creaciones. Para Insula Orchestra, mantendremos nuestras ideas de creaciones escénicas innovadoras y continuaremos nuestro trabajo sobre compositoras. De hecho, estamos iniciando una serie con la romántica alemana Emilie Mayer. Por otra parte, acabamos de crear una plataforma de intercambio de recursos con otras cinco orquestas europeas: La Documenta.eu. Y a principios de 2025, estamos poniendo en marcha una academia de integración profesional orquestal para jóvenes músicos, llamada Insula Camerata.
Con todo lo que estamos hablando, ¿cuál es la verdad en la música para Laurence Equilbey?
Me gusta la práctica históricamente informada, que te hace estudiar la obra, pero también su contexto de creación y prácticas interpretativas. En general, este enfoque te acerca un poco más a la verdad de la música. Significa tratar de entender lo que el compositor quería, o quiere, decirnos. Esa es la verdad en la música para mí.
